domingo, 15 de septiembre de 2019

1984 - Alfonsín y sus 24 hs en San Juan: visita a Jáchal, populoso almuerzo y distinción a Borges



            Histórica distinción de Alfonsín a Borges

El líder radical llegó el 11 de septiembre del '84 para celebrar el Día del Maestro y afrontar una extensa agenda.

Tras 7 años de dictadura militar en el país, 1983 marcó el esperado regreso de la democracia con el arribo a la presidencia de Raúl Alfonsín, que un año después, más precisamente en septiembre del ’84, tuvo su primer viaje a San Juan como titular del Ejecutivo nacional. El líder radical tuvo una extensa agenda en sus más de 24 horas en la provincia, que incluyó la participación en un acto por el Día del Maestro, un almuerzo multitudinario en la exbodega Cavic, una distinción a Jorge Luis Borges y hasta una visita a Jáchal, además de otras actividades.
Alfonsín viajó hasta Jáchal para convertirse en ese momento en el primer presidente en visitar el departamento norteño.

El jefe de Estado habló ante miles de personas

En total fueron 100 minutos, pero se despidió del pueblo jachallero recibiendo innumerables regalos, como dos ponchos tejidos con lana de vicuña y de guanaco, uno por parte de los responsables de la Reserva San Guillermo y otro por un ciudadano norteño. Tras una larga jornada de martes, Alfonsín fue invitado al Congreso Nacional de Literatura, que contó con grandes figuras y hasta con la presencia del célebre escritor Jorge Luis Borges.

Histórica distinción de Alfonsín a Borges

Precisamente con éste ilustre de la pluma a nivel mundial, el presidente sumó un capítulo más en San Juan. En un momento más que especial en el Auditorio Juan Victoria, el presidente de la Nación le entregó a Borges el título “Doctor Honoris Causa” de la Universidad Nacional de San Juan, por su extensa trayectoria y los méritos cosechados. Mientras el mandatario lo esperaba en el escenario, el escritor se dirigió hasta él entre fuertes aplausos sostenidos para recibir su merecida distinción.

Fuente: Diario de Cuyo


domingo, 8 de septiembre de 2019

Para qué leer: Una conversación con Jorge Luis Borges - 1963


 Jorge Luis Borges en su primera visita a la HJCK en 1963. A su lado, Álvaro Castaño.


Por: Álvaro Castaño

En esta entrevista de 1963, una de las primeras que Borges concedió en Colombia, el escritor argentino olvida uno de sus poemas mientras lo recita. Álvaro Castaño, emocionado, intenta secundarlo, pero como un hechizo, nadie logra recordar "Soneto a Buenos Aires".

Borges, envuelto en la penumbra de su ceguera, no puede leer los versos escritos en el libro que acaban de ponerle en sus manos. Castaño le propone que recite Soneto a Buenos Aires, piensa que el argentino se lo sabe de memoria. Casi nadie habla, al principio por la sorpresa de tener a Borges en la emisora y después porque en el aire flota una sensación de pena por el nerviosismo del escritor argentino. “No se preocupe”, se anima a decirle Castaño. Borges voltea su rostro hacia la voz y comienza a recitar el poema: “Y la ciudad, ahora, es como un plano / De mis humillaciones y fracasos; / Desde esa puerta he visto los ocasos / Y ante ese mármol he aguardado en vano”. El desasosiego que había en el estudio desaparece. Castaño sigue cauteloso la intervención para recordarle cualquier palabra, cualquier frase olvidada. Entonces pasa: Borges se calla de repente, aprieta el bastón con ambas manos y le da un golpecito a la mesa: olvidó la parte que seguía.

Castaño busca los ojos de Borges, pero solo encuentra una cabeza gacha, hace un esfuerzo inútil por acudir a su memoria y recordar el pasaje que sigue, pero él también lo ha olvidado. Sale corriendo de la cabina y llama a una de sus amigas adicta a la obra del argentino, una amiga que, como él, se jactaba de saber de memoria los poemas de Borges. Ella también lo ha olvidado. Parece un hechizo, piensa Castaño, y cuando cuelga el teléfono ve a Borges salir del estudio, bajar por las escaleras y desaparecer de la mano de su asistente. La grabación sigue rodando: se escuchan pasos alejándose, como caminando a un abismo y luego el silencio.

Solo bastó que Jorge Luis Borges dejara la emisora para que Castaño recordara: “Aquí la tarde cenicienta espera / El fruto que le debe la mañana; /Aquí mi sombra en la no menos vana/ Sombra final se perderá, ligera”. Ese momento quedó grabado en el casete número 24. Uno de los tesoros mejor guardados por Álvaro Castaño







Fuente: HJCK  -  Foto: Archivo HJCK

sábado, 7 de septiembre de 2019

Olvidar para Recordar: del Funes de Borges a la amnesia por estrés



 Dra Mariana Bendersky

Un motivo común de consulta neurológica en gente joven, súper exigida y ansiosa, que duerme pocas horas para poder trabajar más, son olvidos frecuentes causados generalmente por falta de atención.

Definir la memoria es casi tan difícil como definir el tiempo. En términos generales, diríamos que es un cambio en un sistema que altera la forma en que funciona el sistema en el futuro. Una memoria típica es una reactivación de conexiones entre diferentes partes del cerebro que estaban activas en algún momento anterior. El olvido es más fácil de definir: es la pérdida de la memoria en general o de alguna memoria específica.

A mediados del siglo XX, Borges escribió el cuento Funes el memorioso, que relata la historia de un peón uruguayo que luego de un accidente adquiere la increíble capacidad de recordarlo absolutamente todo, hasta el mínimo detalle. Tal era la incapacidad de Funes para crear conceptos generales que «le molestaba que el perro de las tres y catorce (visto de perfil) tuviera el mismo nombre que el perro de las tres y cuarto (visto de frente)». Esta memoria infinita le impedía hacer otras cosas, e incluso pensar. “Dos o tres veces había reconstruido un día entero; no había dudado nunca, pero cada reconstrucción había requerido un día entero.” Lo importante entonces es poder olvidar.  Para dar lugar a que se hagan otras memorias, en primer lugar. Para no vivir el infierno de recordar todo, de lo cual la mayor parte o no queremos o no nos sirve.

Borges ya planteaba hace más de 50 años, sólo con su imaginación y sin hacer experimentos en neurociencias, que pensar es abstraer y que para poder recordar es necesario olvidar. Quizás hubiera escuchado algo sobre un paciente del neuropsicólogo clínico ruso Luria, un “Funes” real, que podía memorizar básicamente todo lo relacionado con su vida, pero tenía problemas para identificar las características comunes, los patrones. Y seguramente, leído a Nietzsche, quien también decía que “La buena memoria a veces es un obstáculo al buen pensamiento.”

La memoria está distribuida en distintas partes del cerebro, pero hay un área específica involucrada en su formación: el hipocampo. Rodrigo Quian Quiroga, un físico y matemático argentino que trabaja en Neurociencias en Leicester, Inglaterra (muy fan de Borges, por cierto) descubrió un tipo de neuronas del hipocampo capaces de generar representaciones abstractas de conceptos. En experimentos con microelectrodos que registran la actividad de estas células, pudo comprobar que la misma neurona se activa de manera selectiva, invariante y multimodal ante un concepto en particular. Por ejemplo, disparaban cuando se le presentaban al paciente diferentes imágenes, el nombre escrito o el nombre hablado de, por ejemplo, Jennifer Anniston (por lo que a estas neuronas “conceptuales” se las conoce como las neuronas de Jennifer Anniston) En nuestro país, en la Unidad Ejecutora de Estudios en Neurociencias y Sistemas Complejos del CONICET, en Florencio Varela, Belén Gori, bióloga, termina su doctorado replicando estos mismos experimentos con personajes vernáculos, por lo que se han identificado “neuronas Carlitos Tevez” o “Diego Maradona”. Esta técnica de Registro de Neurona Individual, se realiza en pocos centros del mundo: Los Ángeles, Bonn (Alemania), Nancy (Francia) y Londres, siendo el ENyS el único en Argentina y el primero en Latinoamérica en llevar a cabo, desde el 2012 esta técnica. Apenas 300 milisegundos le bastan al cerebro humano para generar un recuerdo, el tiempo que tardan las "neuronas de concepto" en relacionar imágenes.

La habilidad del cerebro de recolectar, conectar y crear mosaicos a partir de estas impresiones de milisegundos de duración es la base de cada memoria. Por extensión, es la base de uno mismo. Nuevamente Borges nos enseña “Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos.” Pero esto no es sólo poético o metafísico. Cada experiencia sensorial produce cambios moleculares en las neuronas y reconfigura la manera en la cual se conectan unas a otras. Esto quiere decir que nuestro cerebro está siempre en remodelación en base a la memoria. Esto se debe a una propiedad llamada plasticidad, la característica de las neuronas que memorizan. La memoria es el sistema mismo. La mente hace, transforma y reprime, extingue u olvida memorias.

El proceso de traer a la memoria un hecho, implica construir activamente el pasado, o al menos las partes del pasado que podemos recordar. Esta construcción activa es tan personal, que explica cómo la misma anécdota es recordada de diferente manera por gente que la vivió al mismo momento. ¿Cómo puede ser que traer un recuerdo a nuestra memoria lo cambie? Los recuerdos falsos pueden ser creados potencialmente por este proceso de recordar el pasado, de hecho, los psicólogos han implantado falsos recuerdos de manera experimental. La psicóloga Elizabeth Loftus realizó un famoso experimento en la década del ´70 en el que les mostraban a varios individuos fotos de un accidente automovilístico. Días después les preguntaron: “¿a qué velocidad iban los autos cuando se encontraron/ toparon/ chocaron/ colisionaron? ¿había vidrios en la escena? ¿había sangre en la escena?” Los sujetos que en la primera pregunta escucharon las palabras “se encontraron” respondieron que los autos iban a menos de 40 km/h, que no había vidrios rotos ni sangre. Los que recibieron “toparon” recordaron velocidades más altas y vidrios rotos, pero no sangre. Los que recibieron “chocaron”, refirieron velocidades de 60-80 km/h, vidrios y sangre. Y los que recibieron la pregunta con la palabra “colisionaron” recordaron velocidades altísimas, muchos vidrios rotos, mucha sangre y hasta personas muertas en la calle. Es decir que una palabra colocada en la pregunta modificaba instantáneamente la memoria adquirida unos días antes!!

Este “arte” profundamente inmoral de hacer que personas, o todo un pueblo, olvide sus memorias, ha sido explotado por políticos, medios y agentes de propaganda. León Gieco dice “La memoria apunta hasta matar/A los pueblos que la callan/Y no la dejan volar/Libre como el viento”. Y realmente, si la memoria hace a un individuo ser quien es, la memoria colectiva nos da nuestra identidad como pueblo, y nos evita volver a cometer funestos errores.

No hay memoria sin emociones, y esto tiene que ver con el rol de la amígdala, un pequeño núcleo del cerebro, del tamaño de una almendra que se encarga de la consolidación de la memoria, por un lado, pero también de comportamientos más primitivos y fundamentales para la supervivencia, como el miedo. Es casi imposible olvidar una memoria adquirida bajo una gran emoción: todos los argentinos sabemos qué estábamos haciendo, con quien estábamos y dónde durante los acontecimientos de Diciembre de 2001 o cuando Argentina quedó subcampeón en el mundial de 2014.


Dra Mariana Bendersky

Doctora en Medicina

Médica Neuróloga

Profesora adjunta de anatomía/UBA

Investigadora

Fuente: Linkedin

miércoles, 4 de septiembre de 2019

Invasión: la obra maestra del cine argentino, del fracaso a la estatura mítica


Santiago, el director de fotografía Ricardo Aronovich, Borges y Lautaro Murúa, durante el rodajeSantiago, el director de fotografía Ricardo Aronovich, Borges y Lautaro Murúa, durante el rodaje Crédito: Gza. Museo del Cine


A 50 años del estreno de la única colaboración en cine de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares con un veinteañero Hugo Santiago, la película sigue provocando lecturas, teorías y conspiraciones

Hernán Ferreirós 

A 50 años de su estreno, el 16 de octubre de 1969, en el desaparecido cine Hindú de Buenos Aires, Invasión, el debut en el largometraje de Hugo Santiago (1939-2018), rodada cuando solo tenía 29 años sobre un guion coescrito con Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares, es ampliamente reconocida como una de las obras maestras del cine nacional. Pero esta no siempre fue la opinión más frecuente.

Bioy Casares describe la noche de la première en el diario de 1700 páginas en el que registró minuciosamente (y con una irreverente y elevada dosis de malicia) cuatro décadas de amistad con Borges: "El film no llega a los espectadores; estos ríen en los momentos trágicos y largamente se aburren. Nos vamos con precipitación, pero la gente (alguna famosa por la impertinencia agresiva) me detiene para felicitarme. Manucho (Manuel Mujica Lainez), tan cáustico; Dalmiro Sáenz, tan acometedor; ambos elogiosos y cordiales. A Mastronardi lo interrumpo: 'Entre bueyes no hay cornadas' (enseguida dudo del acierto de la frase). 'El bodrio del año', afirma tristemente un desconocido".

La película fue un fracaso y no es difícil entender la razón. Borges lo atribuía a que el argumento resultaba incomprensible; Bioy, a los "parlamentos demasiado concluidos, correctos y sentenciosos". Si bien ambas objeciones pueden ser ciertas, el mayor obstáculo que presenta Invasión a su público es que se trata de un objeto puramente cinematográfico que corta cualquier vínculo no solo con el mundo real, sino también con el mundo que los espectadores esperan del cine comercial. No pertenece a ningún género establecido (no es exactamente fantástico, tampoco un thriller). No milita en el realismo psicológico ni en ningún tipo de realismo. Borra cualquier referente (la muy protagónica ciudad, Aquilea, no existe fuera de la pantalla; no es Buenos Aires, aunque está compuesta por algunas de sus partes). No ofrece sentidos transparentes ni mucho menos un significado alegórico o político.

Tiene una trama fuerte y clara, aunque reducida a su menor expresión: un choque de fuerzas antagónicas. La sinopsis de Borges es célebre: "La leyenda de una ciudad, imaginaria o real, sitiada por fuertes enemigos y defendida por unos pocos hombres, que acaso no son héroes. Lucharán hasta el fin, sin sospechar que su batalla es infinita". Jamás se revela quiénes son esos invasores ni cuál es el objetivo de su ataque, ni se sabe demasiado de los que resisten. Las actuaciones son asordinadas, deliberadamente inexpresivas. Tantas sustracciones, sin embargo, no la vuelven una película minimalista; en muchos aspectos, es todo lo contrario. Como observa Bioy, los diálogos (de Borges) son imposiblemente estilizados para la oralidad (así se habla de fútbol: "Don Porfirio, usted, con su criterio anticuado, ¿qué pálpito formula para el partido del domingo?"). Lo mismo puede decirse de la puesta en escena: imposiblemente estilizada para que el artificio pase inadvertido, para alcanzar ese grado cero de la enunciación que recibimos como la corrección que nos permite entrar sin barreras al relato. Todos estos desvíos tampoco dejan a la película en el lugar abstracto y solitario de la experimentación pura. Invasión es cine narrativo e, incluso, de género (aunque no está claro de cuál), solo que ubica su deslumbrante potencia formal en primer lugar.

Mentores reales e inventados

Tras un paso fugaz por la Facultad de Filosofía y Letras, donde Hugo Santiago conoció a Borges y hasta logró que recomendara a una editorial un libro de poemas que había compuesto, escribió y codirigió (junto a Lautaro Murúa), con apenas 19 años, una miniserie para televisión llamada De padres e hijos, por la que obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes para viajar a París.

Su objetivo era conocer a Robert Bresson, el cineasta que más admiraba (y de quien luego tomaría los personajes neutros, atonales, vaciados de emoción). Resultaba completamente ilusorio que un joven de 20 años, recién llegado de la Argentina y que casi no hablaba francés pudiera ponerse en contacto con el más reclusivo de los realizadores franceses. Pero Santiago no solo llegó a conocerlo, sino que además trabajó con él siete años y fue su asistente de dirección en El proceso de Juana de Arco (1962). "Coincidí con Bresson en casa de Jean Cocteau", recuerda en una entrevista compilada en el volumen Generación 60 / Generación 90. Cine argentino independiente. "Cocteau le dijo que un joven poeta había venido desde el otro lado del mundo solo para conocerlo. Y Bresson, que, contra lo que dice la leyenda, era extremadamente considerado, vino a verme... Mi francés en ese momento era aún muy elemental, pero hablamos dos horas. Por supuesto, de cine y de su manera de narrar estrictamente cinematográfica... Bresson no sabía qué hacer conmigo, pero comprendió que no se libraría de mí fácilmente: terminó aceptándome como uno de sus tres asistentes".

Santiago debió ser una persona de una determinación extraordinaria, porque, tras cumplir su objetivo de trabajar con Bresson, volvió al país y, cuando todavía era un desconocido, convenció no solo a Borges y Bioy de que coescribieran el guion de su debut, sino también a Aníbal Troilo de que compusiera el tema central de la película (una milonga con letra de Borges) y al compositor y ensayista Juan Carlos Paz, quien introdujo la música dodecafónica en América Latina (y alguien que nunca había actuado), para que asumiera el rol protagónico de Don Porfirio (una especie de avatar de Macedonio Fernández).

  Una escena ditelliana del film Crédito: Gza. Museo del Cine

El vínculo con sus coguionistas no estuvo exento de contratiempos, el principal de los cuales fue que no se sentían a gusto trabajando por encargo. En su diario, Bioy se queja de la dificultad de crear sobre ideas de otros, mientras que Borges propone no cobrar el adelanto y pasarle el trabajo a Ulyses Petit de Murat. Finalmente acuerdan renunciar: "Comen en casa Borges y Hugo Santiago Muchnik", escribe Bioy en la entrada del 8 de julio de 1967. "A Muchnik le digo: 'Tengo para usted una buena y una mala noticia. La buena es que hemos concluido el resumen del film y que se lo regalamos para que haga lo que quiera. La mala es que no haremos el libreto'. Como un caballero, como un buen perdedor, Muchnik acepta mis palabras. Dice que esas diez páginas que le hemos hecho son lo esencial y que gracias a ellas podrá seguir adelante con el film. Muchnik se declara satisfecho, feliz, conversa un rato sobre la película, sugiere detalles y modificaciones atinadas y hasta un posible título: Invasión. Comentará luego Borges: 'Es un caballero. No flaqueó en ningún momento. Cuando esté solo en su cuarto se pondrá a llorar. Nosotros le entregamos un argumento que parece de Nick Carter, pero la realidad nos ha regalado una escena que parece de Henry James: el fervoroso admirador que descubre que los ídolos tienen pies de barro; que los colosos son chiquititos'. La gente sobrevalúa nuestra capacidad literaria. Yo también creo que si un hombre sabe pintar puede pintar a pedido un gato... Quizá no tenga ganas o no pueda".

A pesar de todo, Santiago no se dejó doblegar y a los pocos días ambos estaban trabajando de nuevo en el libreto. Finalmente, por un viaje de Bioy a Europa, el director terminó escribiendo el guion con Borges: "Trabajé espléndidamente con él", recuerda. "Borges había sido un gran cinéfilo y pude transmitirle rigurosamente mi proyecto cinematográfico. Como sabemos, era un mago de la palabra, pero también de la manipulación de los acontecimientos. Era muy accesible a las objeciones y a las sugerencias. Es más: exigía la crítica y la discusión, e inmediatamente se ponía sin esfuerzo en condiciones de seguir trabajando sobre un esquema recién modificado. Fue una larga tarea de ocho meses en Buenos Aires, más dos meses de sucesivos carteos porque él estuvo en Norteamérica y yo, en Europa. Hay detalles que discutimos y afinamos hasta poco antes de la filmación".

En el volumen Siete conversaciones con Borges, el escritor evalúa su trabajo en la película: " Invasión es un film que me interesó mucho y del que puedo hablar con toda libertad, ya que me cabe a mí (si es que pueden medirse esas cosas) una tercera parte. Se trata de un film fantástico y de un tipo de fantasía que puede calificarse de nueva. No se trata de una ficción científica a la manera de Wells o de Bradbury. Tampoco hay elementos sobrenaturales. Se trata de una situación fantástica: una ciudad que está sitiada por invasores poderosos y defendida, no se sabe por qué, por un grupo de civiles... Yo he querido que el film sea finalmente épico; es decir, lo que los hombres hacen es épico, pero ellos no son héroes. Y creo que en esto consiste la épica; porque si los personajes de la épica son personas dotadas de fuerzas excepcionales o de virtudes mágicas, entonces lo que hacen no tiene mayor valor. En cambio, aquí tenemos a un grupo de hombres, no todos jóvenes, bastante banales algunos, hay alguno que es padre de familia, y esta gente está a la altura de esa misión que han elegido".

La construcción de una épica es central en la película. Ya el nombre de la ciudad, Aquilea, remite a la Ilíada y al sitio más famoso, el de Troya. Esta referencia invoca una temporalidad mítica que nos despega de las contingencias del presente. Aunque el paisaje es casi como el de Buenos Aires de fines de los 60 (pero la ciudad tiene islas y una frontera montañosa y falta el Obelisco), se nos dice que la acción transcurre en 1957. Borges explicó que seleccionó ese año porque no reenviaba, para él, a ningún acontecimiento histórico o político destacado. A dos años del golpe del 55 y en plena presidencia de facto de Aramburu, muchos disentirán con esa evaluación. Sin embargo, tal como Alphaville (la ciudad creada por Jean-Luc Godard para la película homónima de 1965 y que luce exactamente como París en 1965, pero, se nos dice, está ubicada en el futuro y en otro planeta) Aquilea no es parte de nuestro mundo.

En este lugar y este tiempo míticos, los personajes aprenden quiénes son a través del encuentro con el coraje: todos los protagonistas mencionan el miedo, incluso Cachorro, el más fuerte de ellos, dice que les teme a algunas mujeres. Este tema, el reconocimiento del propio coraje, es recurrente en la literatura de Borges. Según escribió Ricardo Piglia en un artículo definitorio, la ficción de Borges se construye en la articulación de un linaje doble: el linaje materno, que porta la valentía de los hombres de acción, y el paterno, que transmite los libros.

La anagnórisis, el momento central identificado por Aristóteles en la tragedia griega en el que el protagonista se enfrenta a una verdad acerca de sí mismo (el "Luke, soy tu padre", en la épica del siglo XX), en la ficción de Borges se da, muchas veces, cuando un personaje llega a su cita con la muerte y allí descubre si es parte o no de la estirpe de los guerreros. Esta situación está planteada al pie de la letra en la película cuando Lebendiger (Daniel Fernández), el seductor compulsivo del grupo, es llevado a una emboscada por la modelo Claudia Sánchez.

Es posible rastrear en Invasión los dos linajes que identificó Piglia porque la película enfrenta a un grupo de compadritos porteños transportados de otra era con un grupo de villanos sin nombre salidos de la ficción moderna, es decir, combina una estirpe antigua de acción, duelos y sangre con una de pura invención literaria. "Su máquina narrativa es un compuesto de criollismo y fantástico", dice David Oubiña en un excelente artículo sobre el film llamado "La máquina de pensar".

Las marcas de la historia

Hacia fuera de la ficción, Invasión tiene su propia historia mítica. En 1978, en plena dictadura militar, se perdieron ocho bobinas del negativo original, que permanecía en el laboratorio Alex. Algunas historias insólitas circularon en torno a este incidente: que era común robar los negativos para revender las sales del plata o que el celuloide se fundía para fabricar peines. Hugo Santiago consideró que se trató de un operativo: "Vinieron y los robaron". Recién 21 años después el negativo pudo ser reconstruido en Francia, mediante el costoso procedimiento de crear uno nuevo a partir de las copias existentes. Esta desaparición durante el Proceso pareció avalar la idea de que este film era un artefacto peligroso para la dictadura y, en consecuencia, reforzaba la lectura política que tiene a flor de piel.

Durante la escritura y la filmación de la película permaneció en el poder Juan Carlos Onganía, quien derrocó al presidente Arturo Illia y orquestó una política de represión. Entre otras medidas, la dictadura terminó con las restricciones a compañías de hidrocarburos impuestas por Illia, revocó el control de capitales y abrió la economía para favorecer la inversión extranjera. En la visión de la izquierda de la época, inequívocamente implicaba una claudicación de los intereses nacionales y una entrega al capital depredador. En este contexto, los invasores del film no pueden ser sino las fuerzas imperialistas, en complicidad con la clase privilegiada que impone por la violencia lo que no consigue por los votos.

La contraofensiva a este poder colonizador está en ese grupo de arquetipos porteños que visten traje oscuro (todos los invasores llevan el mismo traje claro, como si el enfrentamiento fuera una partida de ajedrez). Cuando esta primera célula fracasa, se activa una segunda, más numerosa y de integrantes más jóvenes: "Ahora nos toca a nosotros", dice uno de ellos (Lito Cruz), al tiempo que recibe un revólver: "Pero tendrá que ser de otra manera", señala, lo que sugiere, sin muchos matices, el paso a la lucha armada. Todo parece bastante claro: Invasión es una película que aboga por una resistencia radicalizada ante las políticas entreguistas de un gobierno al servicio de intereses transnacionales (no necesariamente el de Onganía, sino cualquiera de las dictaduras argentinas: Oubiña, jugando con la idea de "cine de anticipación", dice que la película anticipó al Proceso).

Y, sin embargo, para la militancia más dura, una película con semejante grado de elitismo (muchos de los colaboradores del film eran artistas del Instituto Di Tella), de esteticismo y una sospechosa ausencia de obreros e integrantes de las clases populares en el relato no podía ser vista sino como un estertor de la cultura dominante y, por lo tanto, irremediablemente reaccionaria. La colaboración de dos conservadores como Borges y Bioy no haría más que confirmar su carácter colonial y antipopular. Desde una perspectiva similar, la película puede ser entendida como una derivación más del conjunto de metáforas en torno a la "invasión" que produjo la llegada de trabajadores rurales en busca de empleo a la capital en la década del 40, en relatos como "Las puertas del cielo" o (según la exitosa lectura de Juan José Sebreli) "Casa tomada", de Julio Cortázar; incluso "La fiesta del monstruo", de los propios Borges y Bioy, que narra un 17 de octubre en la Plaza de Mayo como una parodia de "El matadero". No es descabellado incorporar la película a esta tradición.

Es posible imaginar también una tercera posición: en los años 50 y 60, en plena Guerra Fría, el tópico de la invasión se vuelve una metáfora paranoica sobre la captación ideológica. En películas como La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956) o series como Los invasores (Larry Cohen, 1967), los agentes de la invasión son extraterrestres que lucen virtualmente idénticos a los humanos, aunque, como representan al enemigo soviético, eventualmente revelan alguna diferencia que se vincula con la idea de colectivización: no tienen pensamientos individuales, reaccionan siempre del mismo modo estandarizado, tienen características físicas que los unifican e identifican. Cada uno de estos rasgos puede aplicarse a los invasores de la película de Santiago. Salvo que, más que la avanzada de un régimen socialista, parecen ser agentes de la modernización.

Borges, que nació en el siglo XIX y suscribe estrictamente a valores de la Ilustración, encontró que el siglo XX solo aportó innovaciones como el fascismo o el comunismo, que ofrecían lo contrario: desorden, colectivismo, autoritarismo e irracionalidad. Por eso mantiene una relación ambigua con la noción de modernidad. Así como el espacio literario de Roberto Arlt es una ciudad con arcos voltaicos a la vuelta de cada esquina, el espacio que prefiere Borges es el de las orillas, donde la ciudad se disuelve en el campo, y el presente, en el pasado.

Estos no son los únicos sentidos que se pueden imponer como un molde sobre la materia maleable del film. Como señala Oubiña en su artículo, Invasión "es una película en estado de disponibilidad. Un film público que se ofrece a todas las versiones y las acepta impávido, con una imparcial displicencia o apatía". Así como la lucha de los defensores de Aquilea es infinita, el juego del sentido también lo es y no se agota en unas pocas interpretaciones parciales y contingentes. Una obra maestra siempre es más que la suma de sus partes, aun cuando algunas de esas partes sean Borges, Bioy y Santiago.

Tras las huellas de invasión

En el Museo del Cine (Caffarena 51, junto a la Usina del Arte) se pueden descubrir fotografías, documentos, cartas y paisajes sonoros del film de Hugo Santiago. La muestra "Invasión, la batalla infinita" está abierta de lunes a viernes, de 11 a 18, y sábados, domingos y feriados, de 10 a 19. Entrada: 50 pesos (jubilados y estudiantes, gratis; los miércoles, entrada libre).

Fuente: La Nación